Hollow Knight: Silksong se presenta como la continuación espiritual de uno de los metroidvania más influyentes de la última década. Concebido inicialmente como una expansión, el proyecto creció hasta convertirse en una obra independiente con identidad propia. Team Cherry afronta el reto de ampliar su universo manteniendo la esencia que definió al original, apostando por una propuesta más ambiciosa tanto en escala como en complejidad jugable.
Desde su planteamiento, Silksong deja claro que no pretende limitarse a repetir fórmulas. Aunque comparte base conceptual con su predecesor, el cambio de protagonista y de entorno redefine el tono general de la experiencia. El mundo que propone es más vertical, más dinámico y aparentemente más hostil, marcando una evolución natural que busca sorprender sin romper con los cimientos que consolidaron la saga.
La historia gira en torno a Hornet, personaje ya conocido, que es capturada y llevada al reino de Pharloom. Este nuevo escenario introduce una cultura y una mitología distintas, centradas en rituales, canciones y una jerarquía marcada por la seda y el hilo. El viaje de Hornet no se plantea como una misión heroica tradicional, sino como una lucha por comprender su papel dentro de un mundo que la utiliza como pieza clave de su propio destino.
Narrativamente, el juego mantiene un enfoque fragmentado y sugerente. La historia se construye a través de encuentros, descripciones ambientales y diálogos breves, evitando explicaciones directas. Este estilo refuerza el misterio y anima al jugador a interpretar los acontecimientos, manteniendo una coherencia clara con la identidad narrativa de la saga y su preferencia por la ambigüedad controlada.
El trasfondo del mundo resulta más explícito que en el título original, aunque sigue exigiendo atención y curiosidad. Personajes secundarios aportan contexto sin romper el ritmo, y cada zona introduce matices narrativos propios. Esta mayor densidad narrativa enriquece el universo, aunque también eleva la exigencia de implicación por parte del jugador.
Hornet se presenta como una protagonista más definida que el Caballero original. Su personalidad se percibe a través de sus acciones y de su actitud frente a los desafíos. Esta caracterización más directa permite una conexión distinta con el relato, aportando un enfoque más activo y decidido que influye tanto en la historia como en el desarrollo jugable.
El tono general de la narrativa combina melancolía con una sensación constante de urgencia. A diferencia del aislamiento dominante en el primer juego, Silksong introduce una mayor presencia de personajes y conflictos visibles. Esta decisión aporta dinamismo al relato, sin perder la atmósfera opresiva que caracteriza al universo de Hollow Knight.
En conjunto, la historia de Hollow Knight: Silksong destaca por su equilibrio entre continuidad y renovación. Amplía el mundo conocido sin depender excesivamente del conocimiento previo, ofreciendo una narrativa más accesible pero igualmente profunda. Su enfoque indirecto y su riqueza simbólica refuerzan la identidad de la saga y establecen una base sólida para el desarrollo del resto de la experiencia.
La jugabilidad de Hollow Knight: Silksong parte de la base metroidvania clásica, pero introduce cambios sustanciales que alteran de forma notable el ritmo y la sensación de control. El protagonismo de Hornet implica un estilo mucho más ágil y ofensivo, donde el movimiento constante y la precisión cobran una importancia central. Desde los primeros compases, el juego transmite una mayor velocidad y verticalidad que su predecesor.
El sistema de movimiento es uno de los pilares de esta evolución. Hornet puede correr, saltar, impulsarse y balancearse con una fluidez que transforma la exploración en una experiencia más dinámica. Esta movilidad ampliada no solo afecta al desplazamiento, sino que redefine el diseño de niveles, que ahora apuesta por estructuras más altas y rutas entrelazadas que exigen dominio del control.
El combate refleja este cambio de enfoque de manera clara. Las batallas son más agresivas y menos defensivas, obligando al jugador a mantener la iniciativa. Hornet utiliza una aguja y seda como armas principales, lo que permite ataques rápidos y encadenados. Esta mecánica fomenta enfrentamientos más directos y reduce la dependencia del posicionamiento pasivo característico del título original.
La gestión de recursos también ha sido revisada. El sistema de habilidades basado en la seda sustituye al alma, introduciendo una lógica distinta de riesgo y recompensa. Curarse y usar habilidades especiales consume el mismo recurso, obligando a tomar decisiones constantes durante el combate. Esta tensión refuerza el carácter estratégico de cada enfrentamiento y evita soluciones automáticas.
El diseño de enemigos acompaña esta nueva filosofía jugable. Las criaturas de Pharloom son más activas y agresivas, con patrones que exigen reflejos rápidos y una lectura constante del entorno. El juego castiga la pasividad y recompensa la precisión, convirtiendo cada combate en un pequeño desafío que exige atención plena y adaptación continua.
Los jefes representan uno de los puntos más destacados de la experiencia. Cada enfrentamiento está diseñado como una prueba de habilidad que combina aprendizaje de patrones con ejecución precisa. Lejos de ser simples obstáculos, estos combates actúan como exámenes del dominio del sistema de control y del uso eficiente de las habilidades adquiridas.
La exploración mantiene la estructura no lineal característica del género, pero introduce una mayor sensación de progresión guiada. Aunque el jugador conserva libertad para elegir rutas, el diseño de zonas y desafíos sugiere un avance más definido. Esta elección reduce la sensación de desorientación sin eliminar la satisfacción del descubrimiento propio.
Las misiones secundarias adquieren un peso más relevante en la jugabilidad. Estas tareas ofrecen recompensas tangibles y aportan variedad al ritmo general del juego. Además, permiten conocer mejor el mundo y a sus habitantes, integrando narrativa y mecánicas de forma orgánica sin romper la coherencia del diseño general.
El sistema de progresión se apoya en mejoras de habilidades y herramientas que amplían las posibilidades de exploración y combate. Estas mejoras están bien distribuidas, evitando picos de dificultad injustos. El aprendizaje es progresivo y exige que el jugador interiorice cada nueva mecánica antes de enfrentarse a retos más exigentes.
A nivel de dificultad, Silksong mantiene un alto grado de exigencia, aunque mejor equilibrado. Los errores se penalizan, pero el control preciso permite que la superación dependa más de la habilidad que de la memorización extrema. Este enfoque hace que el desafío resulte estimulante en lugar de frustrante para la mayoría de jugadores comprometidos.
El ritmo de la experiencia es más constante que en el primer juego. La mayor movilidad y la frecuencia de enfrentamientos evitan largos periodos de inactividad. Esta decisión aporta dinamismo, aunque reduce ligeramente la sensación de soledad contemplativa que definía al título original, sustituyéndola por una urgencia más marcada.
En conjunto, la jugabilidad de Hollow Knight: Silksong representa una evolución clara y coherente. No se limita a refinar sistemas existentes, sino que los reinterpreta para adaptarlos a una protagonista distinta y a un mundo más vivo. El resultado es una experiencia más rápida, exigente y orientada a la acción, sin perder la profundidad y el cuidado que definen a la saga.
El apartado gráfico de Hollow Knight: Silksong mantiene la identidad visual que definió al original, pero introduce una mayor riqueza cromática y un diseño más detallado. El estilo dibujado a mano conserva su sencillez aparente, aunque ahora los escenarios presentan una mayor complejidad visual. Cada zona destaca por una paleta de colores propia que refuerza su personalidad y facilita la diferenciación entre regiones.
El reino de Pharloom se percibe como un mundo más vivo y estructurado. Las áreas verticales, los fondos animados y los elementos interactivos aportan profundidad a los escenarios. Esta evolución visual no rompe con la estética minimalista de la saga, sino que la amplía, ofreciendo un entorno más dinámico y expresivo sin perder claridad durante la acción intensa.
Las animaciones son uno de los grandes logros técnicos del juego. El movimiento de Hornet es fluido y preciso, transmitiendo agilidad y control en cada acción. Los enemigos cuentan con animaciones claramente legibles, lo que resulta fundamental para un combate tan exigente. Esta claridad visual contribuye directamente a la jugabilidad y refuerza la sensación de justicia en los enfrentamientos.
El diseño de personajes mantiene un equilibrio entre simplicidad y expresividad. Cada figura presenta rasgos distintivos que facilitan su reconocimiento inmediato. Esta coherencia artística refuerza la identidad del mundo y permite que incluso los personajes secundarios dejen una impresión duradera, enriqueciendo la experiencia narrativa sin necesidad de largos diálogos.
El sonido desempeña un papel esencial en la construcción de la atmósfera. La banda sonora acompaña la exploración y el combate con composiciones melódicas que refuerzan la identidad de cada zona. Lejos de imponerse, la música actúa como un complemento emocional que subraya momentos clave y potencia la inmersión del jugador.
Los efectos de sonido están cuidadosamente integrados en la experiencia jugable. Cada golpe, salto o habilidad cuenta con una respuesta auditiva clara que aporta información inmediata. Esta precisión sonora facilita la lectura del combate y contribuye a que el control se sienta más sólido y satisfactorio durante los enfrentamientos más intensos.
El uso del silencio también resulta significativo. En determinadas zonas, la ausencia de música refuerza la sensación de aislamiento y peligro. Esta alternancia entre sonido y silencio demuestra una dirección sonora consciente, que utiliza el audio como herramienta narrativa y no solo como acompañamiento estético.
La ausencia de doblaje tradicional se compensa con un lenguaje sonoro característico. Los personajes se expresan mediante vocalizaciones y sonidos breves que transmiten emoción sin necesidad de palabras. Este recurso mantiene la coherencia con el estilo de la saga y refuerza su identidad única dentro del género.
En conjunto, gráficos y sonido trabajan de forma conjunta para construir una experiencia cohesiva y memorable. No buscan el realismo, sino la expresividad y la funcionalidad. Cada decisión artística refuerza la jugabilidad y la narrativa, consolidando a Silksong como una evolución visual y sonora sólida y bien integrada.
Hollow Knight: Silksong se presenta como una evolución coherente y ambiciosa dentro del universo creado por Team Cherry. Su historia amplía la mitología conocida sin perder el gusto por la sugerencia, ofreciendo un relato más activo y estructurado que refuerza la identidad de su nueva protagonista. El mundo de Pharloom aporta matices propios y una sensación de urgencia que distingue esta entrega de su predecesora.
En el plano jugable, el título destaca por redefinir sus sistemas en torno a la movilidad y la ofensiva. El control de Hornet introduce un ritmo más dinámico y exigente, donde cada decisión tiene peso. El combate, la exploración y la progresión se integran de forma orgánica, construyendo una experiencia desafiante que recompensa la precisión y el aprendizaje constante.
El apartado gráfico refuerza esta evolución mediante una dirección artística más rica y expresiva. La variedad de escenarios, el uso del color y la fluidez de las animaciones aportan personalidad al mundo sin sacrificar claridad. Cada zona se siente única, contribuyendo a una exploración estimulante y visualmente coherente con el tono general de la obra.
El sonido completa la experiencia con una banda sonora medida y un diseño auditivo funcional. La música, los efectos y el uso del silencio refuerzan la atmósfera y acompañan el ritmo del juego sin imponerse. Este equilibrio entre lo sonoro y lo visual consolida una identidad reconocible y eficaz.
En conjunto, Hollow Knight: Silksong no se limita a replicar el éxito de su antecesor, sino que lo reinterpreta con personalidad propia. Es una obra exigente, cuidada y coherente, que demuestra una clara comprensión de sus fortalezas y de las expectativas de su público. Su ambición y su refinamiento lo sitúan como una continuación sólida y significativa dentro del género metroidvania
Pamela Games 